Comentario exposición From Here On

Pauta dada por la profesora https://n-1.cc/file/view/1641426/pauta-profesora-an039alisis-exposici039on-arte-contemporaneo

Comentario de exposición de arte contemporáneo en Barcelona. Entrega jueves 4 de abril

Versión colaborativa http://recursosletras.titanpad.com/1

Versión entregada a la profe  https://recursosletras.wordpress.com/?attachment_id=62

Una de las fotos del montaje de Roc Herms Pons en el Centre d’Art Santa Mònica.

Una de las fotos del montaje de Roc Herms Pons en el Centre d'Art Santa Mònica. Barcelona, 2013

Una de las fotos del montaje de Roc Herms Pons en el Centre d’Art Santa Mònica. Barcelona, 2013

Comentario de la exposición From Here to On. En el Centre d’Art St mònica

Índice

  1. Introducción

  2. Análisis formal e interpretativo.

  3. Anexos

  4. Bibliografía

Introducción

En este comentario encontraremos el análisis de dos exposiciones de arte contemporáneo en Barcelona, una entrevista a uno de los artistas y los archivos de libros que hemos usado, así como fotografías de obras y de la visita al Centro Social Bodega La Riera que fue la segunda exposición que visitamos del artista callejero Unuz, la primera fue el Centre d’Art St Mònica. También recordamos que la primera versión del trabajo fue borrada del servido donde era redactada, así que tuvimos que volverlo a subir aquí para poder consultarlo recursosletras.wordpress.com

Análisis formal e interpretativo de la visita.

Tenemos que decir que el primer intento de acercarnos al museo de arte contemporáneo de Barcelona fue chocarnos con la realidad de 21 euros por tres entradas aún siendo estudiantes. Nos solo teníamos que mostrar el carné de la UB sino la matrícula. El contraste cuando entramos en el edificio del final de las ramblas fue muy agradable, buena atención, accesibilidad y un espacio mucho más acogedor donde la exposición acompaña a las personas y facilita el encuentro y el descanso. Detallaremos enseguida porqué.

El edificio del centro de arte de Santa Mònica destina 3 pisos a esta exposición donde participan más de 40 artistas de todo el mundo, especialmente de países desarrollados donde las tecnologías y las técnicas que pretenden aplicar y exponer estos artistas están mas extendido su uso. Según el resumen del a web: “El pas de la imatge analògica a la imatge digital i l’extensió d’internet i de la telefonia mòbil han canviat radicalment el món de la fotografia fins a un punt de no retorn. Aquest nou potencial tecnològic té unes conseqüències creatives encara incipients i ha modificat i posat en crisi conceptes clau com els d’autoria i obra original i ha multiplicat les possibilitats de reproducció i circulació de les imatges d’una manera insospitada.”

Entonces es una exposición colectiva coordinada y montada por Clément Chéroux, conservador y del Departamento de Fotografía Centro Georges Pompidou, también aparece Joan Fontcuberta como artista y

Erik Kessels, fundador i director artístic de KesselsKramer.

Sin embargo lo que se nota cuando entras es de una armonía ambiental provocada por las musicas y luces de la exposición así como de la combinación de distintos formatos, soportes y tamaños mezclando el vídeo coconla instalación multimedia o fija. De hecho se trata de una exposición de más de 20 artistas de todo el mundo con preponderancia de los países desarrollados e industrializados. Y está repartida en 3 pisos y varios ambientes musicales, luminosos y temáticos aprovechando la arquitectura del lugar.

Temática urbana, personal, individualista, cotidiana formando una composición heterogénea y armoniosa a la vez combinando las diferentes plantas con temáticas y formatos adecuados.

Por ejemplo al entrar podemos ver las obras más significativas de las nuevas tecnologías: en la primera planta podemos ver la instalación de Mishka Henver que congela el fotograma concreto de un presentador de noticias de televisión en su momento más ridículo, el fotograma de la morisqueta imposible en un presentador serio. La serie de 5 fotos sobre cuadro luminoso se combina con los vídeos personales de gente que se pone a bailar delante del ordenador y lo cuelga en youtube, la edición de la música y las escenas de baile dan la impresión que nuestra sociedad esté grabándose constantemente. Esta idea es constante en la exposición. También en la primera planta podemos ver el montaje en la zona central de miles de fotografías impresas tiradas por el suelo y en una mesa completadas por paneles de 2 metros. Esta obra de Mocksim usa el mismo tipo de fotografía: policías poniendo multas, miles de fotos de varios países y procedencias en las que aparece la misma escena repetida. La repetición es otra contante de la exposición.

En la primera planta no sorprende gratamente la obra de un antiguo compañero de parrandas, Roc Hherms Pons que realiza un collage a partir de las fotografías que hace él mismo dentro de un juego online de ordenador llamado Second Life. Este juego simula un mundo y el protagonista debe conducir su personaje como en la vida real. Roc hace fotos y realiza un montaje consistente en dos partes. Primero un vídeo de cómo realiza su obra proyectado en una televisión y ambientado con varios tipos de música. Enfrente compone un collage con las misma fotos que forma una mujer, protagonista en muchas imágenes. Y, por último, imprime un cómic donde le entrevistan (anexo). Por supuesto me alegré mucho de que un antiguo conocido exponga, lo busque en el Twitter y pude intercambiar algunas palabras con él (anexo). La primera planta se completa con un útil espacio de ordenadores conectados en el que pudimos escribir algunas líneas para éste trabajo, detalle que agradecemos al museo.

La segunda planta es más oscura y de obras de menor tamaño. Destacan las composiciones con fotos satelitales de la Tierra y pinturas de fotografías de Jenny O’Donell o el espacio de música y luz de Jens Sundheim.

La tercera planta es la más impresionante por el tamaño y la temática. La que más nos llamó la atención es la serie de personas viendo pantallas que representa muy bien nuestra “sociedad vouyerista contínua” o, como le llamó Guy Deboard “la sociedad del espectáculo”. Además es la obra de una de las pocas mujeres de la exposición. Este machismo del que todos participamos esta expresado en la exposición por un montaje de 4 metros de alto en el que aparecen cientos de pollas claramente fotografiadas por sus dueños y todas con el teclado en el fondo de la imágen. La falocracia se evidencia en la cantidad ingente que hemos comprobado nosotros mismo de penes autofotografiados por internautas.

También pudimos comprobar que la mayoría de artistas son posteriores a 1970, los más nacieron en los ochenta, está claro que la tecnología es usada por jóvenes.

También hemos agradecido la abundante bibliografía repartida por el espacio en palés recubierto de cartones que permiten tomar apuntes, descansar, ojear los libros clavados o encadenados. Destacamos uno de Mishka Henver llamado Photografy is editado en Manchester en el 2011 y varios sin ínfulas académicos pero que abordan la fotografía cotidiana, personal, familiar o casual.

Respecto a los signos que definen sus trabajos podemos decir que los horizontes permitidos por las nuevas tecnologías son infinitos y muy novedoso: desde fotografías hechas por personas que no están presentes físicamente en el lugar, hasta obras cuyos protagonistas no deseaban realizar una obra de arte pero que es aprovechada por una tercera persona como tal y obras que combinan soportes como sonido, pintura y luces. Además de la dispersión geográfica de los artistas destaca internet como fuente, fin y medio necesario, así como abordar la temática de la repetición y la infinito material que producimos como sociedad del espectáculo así como nuestros hábitos de vida que pareciera se han convertido en espectáculo contínuo: parafraseando a Guy Debard“en la sociedad de la comunicación de masas las imágenes no se acaban y la mentira pasa a ser verdad al ser justificado todo un mecanismo de 24 horas de duración por un segundo de verdad”. Lo que lleva a los artistas a intentar representar y burlarse de la parálisis contínua o como diría Debord “El espectáculo como organización social establecida de la parálisis de la historia erigido sobre la base del propio tiempo histórico es la falsa conciencia del tiempo” y del “tiempo espectacular que es el tiempo de la sociedad que se transforma, pero vivido ilusoriamente”. La foto de los japoneses viendo pantallas, que es una obra de la segunda planta, es perfecta para este pasaje. La biblioteca de nuestra universidad llena de portátiles también.

Para realizar la segunda parte del trabajo aportaremos citas e ideas de la segunda visita. Como hemos dicho valoramos mucho la combinación de academia y calle o, dicho de otro modo, de cultura hegemónica y cultura subalterna. Así que contactamos con un artista callejero amigo nuestro que casualmente montaba su primera exposición en un centro social y bar de Vallcarca, barrio de Barcelona conocido por su fuerte movimiento de resistencia y producción cultural autónoma. En la bodega Riera (ver foto en anexo) visitamos la pequeña exposición de nuestro artista callejero y le hicimos una pequeña entrevista que acabamos con la obligada visita al taller cercano donde trabaja Unuz.

Después de que nos cobraran 7 euros porque una persona visite una exposición, nos sentimos descolocados cuando nos sirven un café por 1 euro, tenemos wifi gratis, exposición y artista con el que poder conversar sobre arte. ¿Es arte contemporáneo sino está en una galería/museo, sino es académico?

Parece que sí, que uno de las premisas para que sea arte es que tenga un componente callejero, antiacadémico o, al menos, la innovación necesaria para sorprender busca lo diferente, así como los formatos y soportes son innovados siempre fuera de la academia, al menos son las conclusiones que sacamos con Unuz después de una hora de entrevista (ver anexo). También llegamos a la interesante conclusión de que se necesitan mutuamente porque el mismo grafitero callejero bebe de las fuentes más clásicas y cultas, mientras que él mismo admitía que visita asiduamente galerías, libros y museos, cioncide como todo hijo de vecino en que no todo se entiende, que ése es uno de los misterios del arte, que él no puede vivir sin crear pero que la repetición, la venta de ideas o la creación de marcas de camisetas para dar salida a sus obras es una constante del artista contemporáneo a la vez que se admite el arte por el arte, se llega a la vuelta de tuerca de que cualquier objeto, tema, técnica puede ser considerada arte, incluso las más repetitivas e industriales. Incluso las más impersonales. Así los temas de los que habla Walter Benjamin como novedosos en cuanto a repetición, reproductibilidad, masificación, acceso infinito e inmediato, descontextualización de la obra o eliminación de su especificidad única son ahora partes intrínsecas del arte. Dice Unuz que es impensable hacer una foto y ¡no subirla a su web! En fin que estamos caminando hacia una sociedad en la que todos somos artistas y todos participamos diariamente de la sociedad del espectáculo y queda la trascendente interrogante de qué consecuencias tendrá en las relaciones de poder en nuestras sociedades el hecho inédito de la masificación de las emisiones y de la producción audiovisual que ha traído los dispositivos móviles (celulares) el ordenador e internet. Desde luego es histórico que en las últimas acampadas contra el sistema de 2011 en Barcelona hiciéramos streaming en directo con Nueva York, El Cairo y Atenas, ya no necesitábamos de la BBC o de la agencia EFE para dar cobertura en directo desde el otro lado del mundo. Por otra parte las enfermedades y desequilibrios psicológicos y cognitivos de la hiperactividad e hiperinformación (cantidad, caudal informativo que permiten los ordenadores) los veremos en la evolución de nuestra generación, la primera totalmente inmersa en estos nuevos lenguajes y formatos. Los que nacimos en los ochenta, veremos en la próxima década las potencialidades negativas y positivas de la Sociedad de la información o, mucho mejor, Sociedad del Espectáculo Democrático.

Bibliografía

Debord, Guy. La Sociedad del Espectáculo. París,

Benjamin, Walter. La obra de Arte en la época de la reproductibilidad técnica.

Albuquerque, Linus. Detalle de su web/portafolio Jo copio http://www.krazymutants.com/p/jo-copio.html

Herms Pons, Roc. http://www.rocherms.com/ y https://www.facebook.com/postcardsfromhomebook

Centre d’art Sant Mònica, web.

Mishka, Henner. Photography is. Manchester, 2011.

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Intentando crear algo. A ver si con la tecnología se puede uno ordenar.

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